Ⅰ 油畫靜物題材的起源
16世紀，歐洲只有一個新教國家的藝術安然無恙地度過了宗教改革運動的危機（就是版不讓畫聖像了）權，那就是尼德蘭。藝術家們找到了一條道路擺脫他們的困境。他們不是僅僅致力於肖像繪畫，凡是新教不可能反對的那些題材類型，他們都有過專門研究。畫出一些畫，旨在顯示他們表現事物外觀的絕技。靜物畫也是其中的一種形式。
Ⅱ 有誰知道靜物油畫的情感表達的國內外研究現狀怎麼寫嗎，開題報告里
實驗結果應高度歸納，精心分析，合乎邏輯地鋪述。應該去粗取精，去偽存真，但不能因不符合自己的意圖而主觀取捨，更不能弄虛作假。只有在技術不熟練或儀器不穩定時期所得的數據、在技術故障或操作錯誤時所得的數據、不符合實驗條件時所得的數據才能廢棄不用。
Ⅲ 超寫實油畫靜物技法有哪些，創作時需要注意什麼
油畫如今最受歡迎的一種畫作之一，對於大多數的話，將來說在油畫的創作當中也會更加註重。這也正是因為油畫在創作的過程當中會相對來說比較困難，當然對於一些初學者來說也非常好奇怎樣的畫作技巧才能夠讓自己在寫實油畫的過程當中更加出色。顏色的搭配對於油畫來說十分重要，所以在創作的過程當中更加需要注重顏色的搭配，以靜寫動的表現方式能夠讓人們更加喜愛。
油畫在所有作家的創作當中都是非常困難的一種畫作方式，畢竟意境的突出才能夠更加展現出由華本身的創作能力和畫家本身的畫工，所以創作中更困難的是顏色的搭配。
Ⅳ :《油畫靜物》,黃鳴著,中國美術學院出版社
幫你找到了 本書詳盡介紹了油畫靜物的產生與發展、中國近現代靜物畫創作，各風格流派與名家精品。同時也介紹了油畫靜物的學習與創作、工具與材料的選擇等等。 印象主義運動可以被視為傳統與現代美術的鏈條。19世紀光學的進步給繪畫的發展提供了契機，它的意義並不在於成就了一個印象派，更在於它給繪畫帶來了觀念的進步。尤其是後期印象主義，在風格樣式上具有更加濃郁的現代特徵，也成為靜物畫發展的一座高峰，其藝術創作特色是注重形和構成形的線條、色塊、體與面等要素的關系，表現出強烈的內心化和個性化色彩，它為此後日新月異的現代主義繪畫的出現作了更充分的理論准備。進入現代主義之後，靜物畫在風格樣式上開始了一個嶄新的時代，野獸主義與立體主義不僅拓寬了靜物畫的表現手法，而且使「繪畫擺脫了對文學、歷史的依賴」，突顯了「繪畫語言自身的獨立價值」。20世紀五六十年代興起的具象表現繪畫給靜物畫注入了新的內涵，一批有深刻思想的藝術家不滿足於內省的姿態，對視覺藝術做出了更為理性的選擇，此時的靜物畫比較多地體現了他們對傳統視覺語言的回歸意識。客觀上講，塞尚以來的靜物畫藝術已完全超越了傳統靜物畫的審美范疇，而被融入到大藝術之中，人們再也不用為它的地位憂心忡忡。許多藝術家常常將靜物畫作為自己探索、闡釋造型規律和視覺語言的特定對象，從這個意義上，我們可以說本世紀所有的繪畫，包括一些新的繪畫運動，無論是從觀念到形態都與靜物畫存在著某種內在的聯系。 http://book.367art.com/youhuajiaoCheng/youhuajingwu-china-meishuyuanxiaojiaocai/
Ⅳ 油畫靜物創作主要以什麼形式表現
形式要根據內容和你想表達的主旨來。
推薦你可以看一些畫然後體會一下內。
比如塞尚的靜物
國內的畫容家 郭正善的靜物
都很有特色。
畫家畫什麼東西，風格的取向都跟自己的體驗和偏好息息相關的。不存在特意嬌柔的形式，形式只是表達自我意願的載體。
Ⅵ 油畫靜物的意象表達方式的主要研究內容是什麼
竊以為只用四個字即可表達出:以物抒情。
Ⅶ 油畫靜物形與色的研究是
油畫靜物起源於17世紀的荷蘭，在19世紀傳播到中國，經過不斷發展變遷，已經成為西專畫的重要繪畫體系屬，是西畫藝術的經典形式之一。靜物油畫簡單生動，寓動於靜，代表西畫技藝的藝術形式，能充分展現出油畫的色彩、層次、光澤等獨有特點。
隨著西畫在中國的不斷發展，靜物油畫也不斷成長成為一支強力軍，帶領人們領略其獨特的魅力。如今，越來越多的靜物油畫走進家庭裝飾中，點綴著人們的生活，成為裝飾畫賣店的熱點品種。作為家居裝飾的新寵，靜物油畫的題材也十分廣泛，已經不僅僅限於鮮花、水果等傳統題材，更有一些非常有新意的事物，讓人耳目一新。
Ⅷ 油畫畢業創作說明怎麼寫~~~~趕時間寫~~~
別去抄隨便找張賣紅薯賣早點農民工啊什麼的照片去畫。。。除非你對那個特有情感能畫出點什麼來。。否則畫靜物都比畫那個好。。。我不知道你有什麼想表達的沒有。。。這個思想的問題，，我想還是個人決定比較好給你一些技術上的建議吧從畫幅的視覺效果來說要麼狠大很有沖擊力要麼是小畫幅的一系列很壯觀。。。尺寸你可以參照你們學校的展廳高度。。。還有框子的形狀也可以是圓形或多邊形根據內容和構圖需要決定。。。再有不知道你只是只想要傳統的架上油畫還是也可以做綜合材料的加入。如果不拼繪畫功底就從形式感上找找出口吧。
Ⅸ 水彩靜物創作論文
作為一個特殊形式的繪畫藝術——靜物畫，大約產生在古希臘時期，到17世紀初靜物畫發展基本成熟。17世紀以後在義大利、荷蘭、佛蘭德斯、法國等地景物畫逐漸發展成為繪畫的主要樣式之一。在現實生活中，靜物畫常常以生活里使用的器物、花卉植物和動物作為描寫對象而進行的繪畫，不同時期的靜物畫體現著不同時代的形式和風格，體現著不同作者的思想感情和審美意識。靜物寫生時，構圖是一個重要的環節，基本要求是必須美觀。美觀有無數個說法，仁者見仁，智者見智，不管怎麼說，最終要使觀眾認可，比如畫面構圖穩定或者富有動感等。靜物畫要體現出作者的審美觀，讓別人能從畫面中體會到作者的思想，通過畫面中物體的擺放看出作者的匠心。所以，對待靜物，我們要能寄物於情，寄情於物，把物擬人化。一組好的靜物畫構圖，使人感覺到它們不是物，而是能表現出像人一樣的組合，或者和諧，或者相互欺壓，或者親近，或者關系疏遠，實際上這都體現了作者對物的一種感悟，一種賦之於人性的表現，也就是物我合一，心與神遇——從物中反映出畫家所寄託的情思。這一點，在很多大師的靜物繪畫里表現得十分明顯。例如，17世紀荷蘭小畫派的靜物畫家們，他們描寫魚、水果、花卉等物，雖畫幅不大，但構圖安排巧妙，使荷蘭人看著特別親切，這就是因為他們的作品反映了荷蘭市民生活的安寧以及與自然物的親密關系。靜物雖然是些普通的東西，但它是人類在生活過程中創造的成果和大自然賜給人類的天然物品。畫家通過繪畫表達了心中的情感，才更容易引起人們對自然的共鳴。可見任何一幅優秀的靜物繪畫作品都離不開畫家的情感表現，可是如何才能在繪畫中寄情於物呢？
一、寄情於物要在物象組合及色調設計中體現。靜物寫生創作中，對整幅畫的色調設計是應賦之於情感，色調設計必然是由畫面中組合的所有物體的色相合成。唐代張彥遠認為「經營位置，則畫之總要」，因而在構圖時，不同色相的物體擺放穿插組合需要周密考慮，不僅要考慮物體之間的高與低、寬於窄、方於圓的搭配，還要考慮物與物之間的色彩冷暖對比、色彩和諧、色調情趣等綜合因素。例如，後期印象派畫家凡·高的靜物畫《向日葵》之所以有獨特的藝術魅力，就是因為他的畫面里總是洋溢著一種發自內心的呼喊。凡·高一生畫了多幅向日葵靜物油畫，但都表現出了生命對金黃色的日出和日落的光芒的嚮往，對太陽的光明的迷戀。對他來說，黃色就是太陽的顏色，就是光和熱的象徵，是光明和輝煌的象徵。他通過繪畫告訴了人們他一生都在追求一件世界上最簡單、最普通又是最不平凡的東西，這就是太陽。在他的靜物畫里，他把顏料中的黃色「家族」運用得五彩繽紛、絢麗奪目。他的《向日葵》似乎把自己的愛情都灌入靜物畫里，讓我們看到他彷彿在懷著火一樣熾熱的感情在描繪靜物。我們可以看出，凡·高的靜物畫很注重自我精神的抒發和對創作主體的客觀寫意，因而在他的靜物寫生創作中，色調設計是重要的環節。
二、寄情於物要在鋪大色調中去把握。在靜物寫生過程中，鋪大色調時就應考慮寄情的因素來表現物與物之間的大的色相區別。另外，我們還要根據擺放的靜物色彩組合，去分析、去感覺總體畫面的調子到底是藍灰還是黃灰，是綠灰還是紅灰等，或者說是冷調還是暖調。它有時像音樂曲調一樣能表現低沉、歡快、高昂、優雅和抒情等情調。畫大色調時,用筆、用色要概括，要抓住大體的明暗關系中的色彩冷暖關系，對於初學者而言，要遵循素描中的五調子關系去分析色彩，去觀察色彩，才能真正使色彩依附於形體，才能學會用色彩去表現物體的體積感、量感。此外，對物體進行概括歸納，對塊面色彩推移，不要顧及小的細節，小的色點，要學會捕捉大的色相關系，從宏觀入手，就像木匠師傅對一棵帶有樹皮的木頭，首先根據需要劈出方形還是圓形的大致輪廓，而不是一開始就去精雕細刻。木匠如此，畫家也應如此，做任何一件事都是遵守這樣的規律。靜物寫生要寄物於情就必須在確定大色調的基礎上再對每一個物體進行深入的刻畫。
Ⅹ 靜物可以作為畢業油畫創作嗎
可以的 塞尚 梵高 夏爾丹 都有很多 靜物畫 傳世的
可以畫一幅 也可以 畫一個系列